Portare Hellraiser dentro un videogioco è sempre stata un’impresa insidiosa, non perché l’universo di Clive Barker sia inadattabile per natura, quanto perché la sua identità poggia su un bilanciamento fragile e perturbante. Oscena, ultraviolenta, allucinata: la creatura di Barker porta avanti il proprio orrore senza alcun freno da quasi quarant’anni, fondendo bramosia carnale e dolore in un unico crogiolo. Hellraiser incarna lo sgretolamento di ogni confine morale e la lucida consapevolezza che l’inseguimento del piacere può degenerare in una prigionia senza via d’uscita. Tradurre un simile patrimonio in forma interattiva implica misurarsi con un’eredità estetica e concettuale assai stratificata, ed è proprio sul terreno visivo che Saber Interactive centra l’obiettivo in modo convincente.
Il risultato è Clive Barker’s Hellraiser: Revival, survival horror in prima persona in uscita il 15 ottobre 2026, capace di regalare autentici momenti di fascinazione grazie a una direzione artistica immediatamente riconoscibile e a un rispetto considerevole verso la materia d’origine. Come dichiarato nella recensione, “Hellraiser Revival restituisce alla saga la sua dimensione più carnale, sacrilega e psicologicamente inquietante, sostenuta da una direzione artistica riconoscibile”. E tuttavia, accanto a intuizioni riuscite e sequenze di grande impatto, affiorano troppe esitazioni strutturali e soluzioni ludiche a tratti elementari, datate e dannose per il ritmo dell’esperienza, accompagnate da una serie non marginale di imperfezioni tecniche che impediscono al progetto di conquistare una piena maturità.
La discesa di Aidan Lynch nel Labirinto
Nella premessa narrativa il giocatore veste i panni di Aidan Lynch, determinato a salvare la compagna Sunny, suo malgrado risucchiata in una dimensione infernale attraverso il coinvolgimento della Configurazione della Genesi. L’artefatto cubico, enigmatico e strettamente legato all’immaginario della saga, diventa il perno di una trama che intreccia la costante ricerca della donna dispersa in un altro piano dell’esistenza, la manipolazione degli ambienti e lo scontro diretto con le forze sovrannaturali del Labirinto.
A sbarrare la strada al protagonista, come gli estimatori del franchise possono immaginare, ci sono i Cenobiti, un culto che ne alimenta la venerazione e la presenza costante di Pinhead, che riconduce di continuo l’avventura alla mitologia che ha reso celebre la serie. Al di là di una storia che non eccelle per fantasia, con la raffigurazione di una discesa in un territorio ostile e il confronto con una minaccia che pare inarrestabile, occorre riconoscere che persino Aidan stenta a imporsi come protagonista memorabile: la sua caratterizzazione non possiede la profondità necessaria a sostenere un universo dove anche i comprimari dovrebbero alimentare un clima diffuso di ambiguità e corruzione. La vicenda, ciononostante, attinge gran parte della propria efficacia dall’ambientazione e dai temi che la attraversano: corpo, vulnerabilità e perdita del controllo assumono un significato che travalica la pura spettacolarizzazione della violenza, anche se la scrittura non sempre riesce a valorizzare questi contenuti con l’incisività dovuta. Tra svolte molto prevedibili e meccanismi che sembrano provenire dai tie-in di almeno un paio di generazioni or sono, Hellraiser: Revival esaurisce il proprio mordente ben prima delle 8-9 ore necessarie per arrivare ai titoli di coda.
Il Labirinto, vero cuore dell’esperienza
Se la trama rivela qualche crepa, è sul fronte atmosferico che Hellraiser: Revival esprime le proprie doti più alte. Gli scenari da attraversare, malati, imprevedibili e dalle architetture brutaliste impossibili, rappresentano il nucleo autentico del gioco: spazi asfissianti e contorti, luoghi in cui la materialità degli oggetti pare progressivamente smarrire la propria funzione consueta per assumere connotazioni ostili.
L’esito più riuscito nasce dall’alternanza fra ambientazioni relativamente concrete e visioni deformate, dove il gusto per il grottesco si fonde con un immaginario corporeo esplicito e perverso. È in questa dimensione che il titolo si accosta maggiormente allo spirito della saga: il Labirinto non è soltanto una meta da raggiungere o un insieme di livelli da superare, bensì un’estensione visiva di quella filosofia dell’eccesso che connota l’opera di Barker. Il dolore diventa architettura, la deformazione assume un valore simbolico e l’orrore si manifesta tanto nelle creature quanto negli spazi che le ospitano. Il rammarico è che proprio queste porzioni risultino tra le più fragili in assoluto, sia per la frequenza con cui si presentano, frammentando il ritmo di gioco, sia per le soluzioni adottate, piuttosto banali. Come si legge nel testo, “Le sezioni ambientali più suggestive sono tra le più deboli in termini di gameplay, con soluzioni banali che spezzano il ritmo”.
Stealth, stalker e puzzle sotto pressione
Il giocatore dovrà infatti eludere una catena di trappole, fare i conti con un cenobita stalker capace di materializzarsi all’improvviso da qualsiasi direzione e capire al volo come si sia riconfigurato il percorso di fuga. In certi frangenti occorrerà perfino risolvere puzzle ambientali mentre il persecutore di turno continua l’inseguimento, con l’esigenza di girargli attorno in attesa del tempo necessario per intervenire sugli elementi dello scenario.
Un discorso a parte merita il trattamento della violenza: la rappresentazione è cruenta e senza filtri, e la brutalità vi assume una precisa funzione espressiva. Quando invece prevale la caccia all’impatto immediato, il rischio concreto è che lo shock si cristallizzi in abitudine, spegnendosi progressivamente. Revival naviga fra questi due poli e, a ben guardare, si tratta di un limite significativo, perché un immaginario così estremo esigerebbe un equilibrio rappresentativo che in questo caso manca.
Meccaniche solide ma prive di personalità
Sul piano strettamente ludico, Clive Barker’s Hellraiser: Revival sposa una formula ibrida a metà strada fra survival horror in prima persona e immersive sim: esplorazione, combattimenti, amministrazione delle risorse, risoluzione di enigmi e progressione attraverso zone ostili ne costituiscono i pilastri, con strutture più aperte a fare da contrappeso a quelle più claustrofobiche.
Il nodo problematico è l’assenza di un’originalità di fondo: parecchie meccaniche ricalcano convenzioni ormai consolidate nel genere, mentre il sistema di combattimento non raggiunge la scioltezza e la precisione necessarie per distinguersi dalle produzioni rivali. Gli scontri sanno risultare gratificanti quando lo scenario contribuisce a modificarne le dinamiche, ma si spengono quando si riducono a confronti iterativi; il feedback dei colpi, inoltre, non soddisfa appieno e resta costante la sensazione di trovarsi davanti a un prodotto ancora da rifinire. La Configurazione della Genesi, elemento identitario della saga, viene qui trasformata da simbolo narrativo in strumento concreto di sopravvivenza, ampliando il repertorio di azioni disponibili e introducendo nuove modalità di interazione con l’ambiente. Tuttavia, la presenza di un dispositivo distintivo non basta da sola a garantire l’originalità di ogni sistema costruito attorno a esso: si tratterà di spostare piattaforme per aprirsi un varco, di compiere altre azioni di modesta entità o di sfruttare poteri analoghi alla telecinesi per variare gli attacchi, ma a più riprese emerge la sensazione che le occasioni da sfruttare avrebbero potuto essere molto più numerose.
